ボストン交響楽団演奏会 〜 オールスターキャストでトリスタン!

年に数回カーネギー・ホールに客演するボストン交響楽団だが、今回はワーグナーの大作、楽劇「トリスタンとイゾルデ」の第2幕を演奏会形式で上演するという、意欲的なコンサート。

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今回の公演は音楽監督のアンドリス・ネルソンズの指揮で、トリスタンヨナス・カウフマンイゾルデカミッラ・ニールンド、そしてブランゲーネ日本を代表する藤村実穂子さんという、超豪華な配役!

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この長大な楽劇の中でも核となる第2幕は、陶酔的な音楽がこれでもかと繰り広げられ、聴きごたえ十分だが、ネルソンズは見通しの良いクリアな響きで、音楽が重くなる事なく、淀みなく進んで行くといった感じで、音楽からめくるめく陶酔感を立ち昇らせるというよりは、ダイナミックで劇的な音楽として提示している印象を受けた。それでいながら、歌がオーケストラにマスクされないような気遣いが感じられるのが良い。

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さてカウフマン、近年声帯の状況が思わしくなく、最近のメトの公演は立て続けにキャンセル、4ヶ月の休養期間を経て2017年1月にパリでのローエングリンで復帰して以来、ニューヨークでは久々の登場となったため、彼として初めての挑戦となるテノール屈指の難役トリスタンで声の回復状況が注目されたが、後半の長大なアリアで少し息切れした感もあったものの、バリトンを思わせるような持ち前のダークなトーンを生かして、破滅へと向かうトリスタンの情念を見事に表出した歌唱だった。来シーズンは久々にメトに復帰するし、今後の活躍が楽しみ!

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こちらもイゾルデ役初挑戦だったニールンドは、威力のある声に、イゾルデの揺れ動く心理描写が両立した素晴らしい歌唱で感動的だった。是非将来メトでもこの役を聴いてみたい!

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ブランゲーネ役の藤村実穂子さんも、よく通る声に繊細な感情表現が組み合わさって、こちらも見事な歌唱!もっと聴きたい歌手なのだが、なかなかメトには登場してくれないのが残念。、。

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他の出演は、クルヴェナールデイヴィッド・クラヴィッツマルケ王ゲオルク・ツェッペンフェルドら。

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ボストン交響楽団 演奏会
指揮: Andris Nelsons
Isolde: Camilla Nylund
Tristan: Jonas Kaufmann
Brangene: Mihoko Fujimura
King Marke: Georg Zeppenfeld
Kurwenal: David Kravitz ほか
2018年4月14日、カーネギー・ホール


⇒ 2017年のボストン響カーネギー・ホール演奏会 感想

⇒ カウフマン出演のメト「ウェルテル」感想

⇒ 藤村さん出演のイスラエル・フィル演奏会 感想
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テーマ : ニューヨーク
ジャンル : 海外情報

イリーナ・メジューエワさんのピアノ名曲案内: その6 〜 シューベルトの即興曲

人気ピアニスト、イリーナ・メジューエワさんの著書「ピアノ名曲案内」に沿って、本で紹介された曲を聴いていくシリーズの第6回、6月はシューベルトの即興曲

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ベートーヴェンの後を継いで古典派ロマン派の橋渡し役となった夭折の大作曲家シューベルト。そのシューベルトのピアノ曲の中でも人気のある曲の一つが、作曲家の晩年、1827年頃に作曲された四つの即興曲集、D.899。同時期に作曲された D.935 の四つの即興曲集がソナタのようなまとまりを見せているのに対し、こちらの方は四つの曲がそれぞれ、より独立した曲となっていると言われている。

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古典派ロマン派の橋渡しという位置付けのシューベルトだが、メジューエワさんによると、曲の形式は、常に新たな形式を作り出そうとしていてベートーヴェンよりよほど古典的で。シューベルトの真骨頂はその古典的な曲の形式の中に、ロマンの息吹を深く吹き込んだところにあるとの事。

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叙情的なものが好きなロシア人には、このシューベルトの深くロマンチックな部分が琴線に触れるのだそう。メジューエワさんがこの即興曲集で取り上げたのは、最もポピュラーな第3曲。4曲の中では一番ロマンチックな作品で、明と暗の間を微妙に行ったり来たりしながら進んでいくという、極めてシューベルトらしい作品。

さて、今回私が聴き比べてみたのは、以下の3種類の盤:

マリア・グリンベルク盤(1974年録音)
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メジューエワさんの推薦盤の一つが、ロシアの名ピアニスト、マリア・グリンベルク(1908〜78年)のもの。スターリン時代に父親と夫が反逆罪で処刑された事もあって、ピアニストとしての活動が大幅に制限され、かつほぼ旧ソ連国内に限られていたため、西側諸国ではほとんど知られていなかったグリンベルクだが、今ではソ連時代の最高のピアニストの一人と評価されるようになった。彼女の晩年、1974年にモスクワ音楽院大ホールで行われたリサイタルのライブ録音であるこの演奏は、ゆったりとしたテンポで、ダイナミスクスを大きく取ったスケールの大きな演奏だが、シューベルトの美しいメロディを心ゆくまで美しく歌わせている演奏で、メジューエワさんの言う、ロシア人が好きなシューベルトの叙情的な側面に焦点を当てた演奏と感じた。

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アルフレート・ブレンデル盤(1972年 録音)
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名ピアニスト、ブレンデルの1回目の録音となるこの演奏は、流麗な旋律の歌わせ方と適度な力強さを両立させた、この人らしいバランスの取れた演奏。

内田光子盤 (1996年 録音)
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内田光子さんの演奏も、ブレンデル同様バランスの取れたものだが、こちらの方はニュアンスがより繊細な感じ。

どの盤も甲乙つけがたいが、好みから言えば、内田光子さんの演奏だろうか。

テーマ : クラシック
ジャンル : 音楽

イリーナ・メジューエワさんのピアノ名曲案内: その5 〜 ベートーヴェン最後のソナタ、第32番

ロサンゼルスへの出張で、日曜朝にニューヨークを発ち、午後にロスのホテルにチェックイン。夕食時まで中途半端に時間が空いたので、外に出る気もなく、メジューエワさんの本に従って5月に聴いた曲のおさらいを。

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前回の月光ソナタからベートーヴェンが晩年に作曲した最後のソナタ、第32番ハ短調に一気に跳ぶ。

1822年、ベートーヴェン52歳の年に作曲されたこの曲、ソナタ形式の1楽章、変奏曲形式の2楽章と伝統的な形式を採用しているものの、それぞれコントラストがはっきりしていて、常により新しい音楽語法を目指していたベートーヴェンにとっても総決算的な意味合いを持つ作品。

メジューエワさんによれば、第1楽章は孤独でネガティブなパッションが詰まった音楽。対照的に第2楽章は一転して天上的な音楽という事で、ハ長調という無色透明な性格の調を使用している事も音楽の性格をより強めている。また右手がより高音域に行き、左手がより低音域に行くというように、これ以上の上も下もないという感じを出しているのも特徴的との事。

確かに巨大な力がこもっているかのような第1楽章に、天上を目指して変奏を繰り返しながら高揚していく第2楽章、それまで31曲のソナタを作曲してきたベートーヴェンが最後にたどり着いた境地を良く表している感じがする。メジューエワさんは天上に一旦到達していながら、また地上に戻ってきて集結しているというような事もコメントしているが、そう言われてみると、確かに天上に行ったままではない感じはする。ベートーヴェンはあくまで現世的なものにこだわった作曲家だったという事だろうか。

今回私が聴き比べてみたのは、以下の3種類の盤:

スヴャトスラフ・リヒテル盤(1963年ライヴ録音)
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不世出のロシアの巨匠、リヒテルメジェーエワさんが推薦しているのは、晩年のスタジオ録音の方だが、私が入手したのは彼の全盛期、1963年にライプツィヒで行われたコンサートのライブ録音。途方も無いスケールの大きさを感じさせる演奏で、第1楽章のデモーニッシュな表現は、他の誰からも聴くことが出来ないような凄みと緊張感を感じさせる。第2楽章もピアノの音色の美しさと、変奏曲がすすむにつれて大きく高揚していくさまをスケール大きく描き出していて素晴らしい!

クラウディオ・アラウ盤(1985年 録音)
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チリの名ピアニスト、アラウの2度目のベートーヴェンのピアノ・ソナタ全集の1枚。1楽章の暗く激しい情熱はリヒテル盤の方が良く出ているが、アラウは第2楽章を暖かく包容力を感じさせる音色で弾いていて、その懐の深さを感じさせる演奏はこれまた素晴らしい。

内田光子盤(2005年 録音)
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この3つの録音の中では、一番バランスが取れた演奏のように思うが、内田さんの長所である、ニュアンスの豊かさ、繊細さといった美点はとりわけ第2楽章で生かされていると思う。変奏を繰り返しながら次第に音楽が高みに上っていくさまを、本当に繊細に描き出している。

こうやって聞き比べると、どれも優れた演奏だと思うが、やはりリヒテル盤が一番だろうか。とにかく、初めて聴いた時は度肝を抜かれたという言葉がぴったりで、彼が西側にデビューした際にセンセーションを巻き起こした理由がよく解る気がする、そんな桁外れの演奏。

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テーマ : クラシック
ジャンル : 音楽

イリーナ・メジューエワさんのピアノ名曲案内: その4 〜 ベートーヴェンの月光ソナタ

イリーナ・メジューエワさんのピアノ名曲案内、今回はベートーヴェンのこれまた有名な「月光ソナタ」

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その生涯に32曲のピアノ・ソナタを作曲し、「ピアノの旧約聖書」と呼ばれるバッハの平均律クラヴィーア曲集に対して、「ピアノの新約聖書」とも呼ばれるベートーヴェンの名曲揃いのピアノ・ソナタの中で、「月光ソナタ」と呼ばれて最も親しまれている曲の一つであるこの14番目のソナタは、1801年、ベートーヴェンが30歳のときに作曲されたもの。

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ソナタ第13番と同じ作品番号(27)を持ち、両曲ともアタッカで3つの楽章がつながれていて、曲としての統一感を持たせている事や、第1楽章に古典的なソナタ形式を採用していないなど、双子のような関係とも言われる2つの作品。特にこの月光ソナタは、ロマンティックで比較的弾きやすい第1楽章があるために、ベートーヴェンの生前から人気がある曲で、作曲者は「他にもっといい曲があるのに、なぜこの曲ばかり人気があるのか」とこぼしていたという逸話もあるそうだ。

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メジューエワさんはこの曲について、技術的に易しくみえる第1楽章は、弱音が続く中で、どうやって微妙な音色の変化をつけていくか、アダージョ・ソステヌートのテンポをどう設定するか、その中でメロディをどう歌わせていくかといったところがポイントとコメントしている。

比較的短く、性格が比較的はっきりしている両端の楽章に対して、リスト「二つの深淵の間に咲く花」に喩えたという第2楽章はどういうバランスで弾くのか、そして非常にピアニスティックで技巧的にも難しい第3楽章。全体的にシンプルのように見えて、ベートーヴェンのピアノに対する考えが最大限に盛り込まれた名曲という事だそうだが、確かに改めて注意深く聞き直してみると、メジューエワさんのコメントが良く理解できる。

今回私が聴き比べてみたのは、以下の6種類の盤:

アルトゥール・シュナーベル盤(1933年録音)
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メジューエワさんが「ロシア人にとってベートーヴェンといえば、シュナーベル」と真っ先に推薦盤として挙げたのがこの盤。オーストリア出身のシュナーベル(1881〜1951年)は20世紀前半を代表するピアニストで、特にベートーヴェン弾きとして知られていたが、私は今回CDを入手するまで、恥ずかしながらその演奏を聴いた事がなかった。1933年録音という古い盤だが、私が特に印象に残ったのが第1楽章で、速すぎもせず、遅すぎもしないという絶妙のテンポで、淡々と弾き進めているようにみえながら、高音部のメロディを美しく歌わせているというバランス感が素晴らしいと思った。続く2つの楽章も小細工を弄さずにストレートに弾いている印象で、特に最終楽章は剛直に一気呵成に弾きあげたという感じなのだが、それでいて細部のニュアンスは犠牲にされていない。この録音はオリジナルのEMIをはじめ、様々なレーベルから発売されていて、盤によってかなり音質の傾向が違うらしいのだが、私が入手したナクソスのものは、ピアノの音がクリアで、余分な響きも付け加えられていない感じで、この時代の録音とは思えない、聴きやすいものだった。

メジューエワさんがほかに推薦しているのはクラウディオ・アラウ(1903〜1991年)ヨーゼフ・ホフマン(1870〜1956年)の盤だが、アラウベートーヴェンはかなり持っているにも関わらず、なぜかこの曲のCDは見当たらず、オーストリアの名ピアニスト、ホフマンも残念ながら聴いた事がないピアニストの一人。私が持っていた盤を年代順に聴いていくと:

ヴィルヘルム・バックハウス盤(1958年録音)
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ドイツ出身のバックハウス(1884〜1969年)も20世紀を代表するピアニストの一人で、ベートーヴェンからツェルニーリストに連なる系統に属する、直系ともいえるピアニスト。特に日本ではベートーヴェンバックハウスというイメージが強いかも知れない。シュナーベルより全体にテンポをゆったりと取った演奏で、スケールの大きさが感じられる演奏。

ウラディーミル・アシュケナージ盤(1977年録音)
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ポリーニアルへリッチと並び、20世紀後半を代表するロシア出身のアシュケナージ(1937年〜)。日本では近年のNHK交響楽団との活動など、指揮者としてのイメージが強くなってしまったが、私の学生時代は、日本でも最も人気のあるピアニストの一人で、今でももう少しピアニストとしての活動をして欲しい(といっても、いつの間にか81歳になっているのですね)のだが… この盤は幻想的なイメージを強く打ち出した第1楽章と、うって変わって激しくダイナミックな第3楽章と、振幅を大きくとった演奏。全曲を通じて、持ち前の艶やかな美しいタッチが印象的。

マウリツィオ・ポリーニ盤(1991年録音)
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若い頃には完璧な技巧で聴衆にショックを与えたポリーニ(1942年〜)だが、これは彼が49歳の頃の録音で、演奏スタイルが変わっていった時期のもの。ギリシャの大理石を思わせるような少しひんやりとした肌触りのピアノの音色は相変わらず。どこといって非の打ち所がない演奏だが、逆にこれはといった人を惹きつける特色がないようにも感じられる。

アルフレード・ブレンデル盤(1994年録音)
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1980年代から90年代にかけて日本でも非常に人気があったオーストリアのピアニスト、ブレンデル(1931年〜)がその全盛期に録音した盤。中庸を行くといった感じのバランスの取れた演奏だが、ピアノの音色に暖かみがあり、細やかなニュアンスづけ・響きのバランスも素晴らしい。殊に1楽章と3楽章に挟まれて少し目立たない感じの2楽章が他の誰よりも魅力的に聴こえる。3楽章はベートーヴェンが楽譜に記したプレスト・アジタート(極めて速く、興奮して)という指示よりは落ち着いた弾き振りかも知れないが、バランスの良さが際立っているように感じられる。

エフゲニー・キーシン盤(2012年録音)
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神童と言われていたキーシン(1971年〜)もはや47歳。ニューヨークではすごく人気があり、リサイタルのチケットもなかなか取れないため、なかなか実演に接するチャンスがないのだが、これは2012年にカーネギー・ホールで行われたリサイタル(チケット取れませんでした)のライブ録音。全体的にダイナミックで迫力十分な演奏なのだが、ピアノのせいなのか、録音のせいなのか、高音に魅力がなく、3楽章では低声部と高声部のバランスも少し悪い気がする。


この曲をこんなに続けて聴いたのは初めてだったが、6つの録音を聴き比べて、いいと思ったのはシュナーベルブレンデルの盤。3楽章のアジタートの感じはシュナーベルの方が良く出ていると思うのだが、全体のバランスからいうと、やはりブレンデルの方がいいように思った。ピアノの音色が何よりも暖かいところに惹かれる。

テーマ : クラシック
ジャンル : 音楽

ランメルモールのルチア @ メトロポリタン・オペラ 〜 スターの輝きを放ったグリゴーロ!

今シーズンのメトルチア、タイトル・ロールはオルガ・ペレチャッコ=マリオッティ、相手役エドガルドには今絶好調のヴィットリオ・グリゴーロが登場!

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2015年のメトリゴレットでも印象的な歌唱を聴かせてくれたペレチャッコ、この役は昨年東京新国立劇場でも歌っているのだが、伸びやかで安定した美声で満足のいく歌唱を聴かせてくれた!ルチアの聴かせどころの狂乱のアリアでは、グラスハーモニカが使用されていたのが目を引いた(耳も)。

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今回の公演でも目立っていたのはグリゴーロ。最近安定感を増した声は迫力と情熱が感じられ、文句のない歌いぶり。カーテンコールでのイタリア人らしい立ち居振る舞いも華やかで、すっかり現在のメトを背負って立つテナーに成長した!

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エンリコ役のマッシモ・カヴァレッティライモンド役のヴィタリー・コワリョフもそれぞれ手堅い歌唱。指揮は病気のベテラン、ロベルト・アッバードに代わってギャレス・モレルが務めたが、やや生気のない音楽運びのように聴こえたのが残念。

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登場人物の心理状態を克明に浮かび上がらせたメアリー・ジマーマンの舞台は相変わらず見事。いい公演でした。

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Lucia di Lammermoor (1835年、ナポリ・サンカルロ劇場にて初演)
演出: Mary Zimmerman
指揮: Gareth Morrell
Lucia: Olga Peretyatko-Mariotti
Edgardo: Vittorio Grigolo
Enrico: Massimo Cavalletti
Raimondo: Vitalij Kowaljow
2018年4月7日、メトロポリタン歌劇場


⇒ 2014〜15年シーズンのメト「ルチア」感想

⇒ ペレチャッコ出演のメト「リゴレット」感想

⇒ グリゴーロ出演のメト「ホフマン物語」感想

テーマ : オペラ
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